entre~vista Omar Castillo Alfaro

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Desde hace un tiempo la escena francesa de arte contemporáneo abraza con entusiasmo y convicción el trabajo de artistas de Latinoamérica, tal es el caso de Omar Castillo Alfaro (México) el cual cuenta con una serie de exposiciones y reconocimientos en este país y Europa hace unos pocos años.
Ganador del Prix de Paris 2022, residente del programa “ENSBA Lyon x Cité internationale des arts” junto otras participaciones en residencias y talleres como Villa Belleville y participaciones en POUSH, le ha permitido generar una serie de exposiciones en Paris y otras ciudades de Europa desarrollando un trayecto internacional notable en su práctica artística.
Omar Castillo Alfaro creció en un territorio central de Mesoamérica, hoy la provincia de Hildalgo en México.  Formado primero en ingeniería metalúrgica y química por la UNAM (Méxic), trabajó en la operación minera más grande de México antes de emprender estudios artísticos que lo llevaron a Medellín, Colombia, y luego a Francia.
Este proceso de migración geográfica, artística y política habita su obra y contribuye a la identidad “salvaje” que reivindica, al combinar las herramientas de las teorías feministas y los pensamientos decoloniales. Toma procesos químicos, populares, queer, feministas, rituales ancestrales y su experiencia de desplazamientos en diferentes territorios, para crear instalaciones y piezas cargadas de un enigma e identidad particular.

Dentro de los proyectos futuros de Omar se destaca su inminente participación en Centre Pompidou-Metz  y será residente durante un año en Madrid en la Casa de Velázquez (la Academia francesa en Madrid) entre otras acciones destacadas que tendrá durante este 2024.

En conversación con Omar, nos comparte reflexiones sobre su práctica y las experiencias que fue recolectando en este último tiempo.

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Mercedes López Moreyra:. Tu formación parte de la ingeniería metalúrgica y química a tus estudios en México y en Francia en arte.  ¿Cómo se relacionan y retroalimentan estos conocimientos a la hora de pensar formulaciones, materiales, fusiones? ¿Qué links te ofrece tener una mirada amplificada en conocimientos tan diversos?

Omar Castillo Alfaro:. Cuando estudiaba en la Facultad de Artes y Diseño (FAD) de la Universidad Nacional Autónoma de México, mis profesores siempre hablaban de “investigación artística” y sobre su(s) metodología(s). Este tipo de problemáticas hicieron que mis procesos creativos se planteen desde investigaciones; es decir, pasando desde una metodología científica hasta una etapa de – a lo que yo llamo – “laboratorio químico de materiales” para realizar tests que puedan decantar en formas y de ahí en series. Pienso en series debido a mi experiencia en la industria y como ésta reproduce  objetos de forma masiva.  

El proceso de investigación bibliográfica es la que más disfruto porque cruzo referentes históricos y contextuales con experiencias personales que se van nutriendo con las discusiones de miembros de mi familia de forma oral; ya que ambas fuentes nutren la manera en cómo presentar cada proyecto. Viviendo fuera de casa, siento que la investigación oral es la que me ayuda a estar siempre conectado con mi parte identitaria.
Este contraste de experiencia migratoria y de investigación permite que abarque los materiales como antítesis. También, estos contrastes me hacen pensar en distintas preguntas formales sobre la escultura y la Historia del arte occidental. Sin embargo, pienso en el contraste como metáfora en la sociedad: los contrastes que se encuentran en políticos, económicos, de género, migratorios, etcétera. 

Sé que mi formación como Ingeniero químico metalúrgico ayuda a focalizarme en una investigación matérica y física del material; sin embargo, no busco una modificación química o anatómica de éste. Creo que el material una vez extraído de la tierra es en sí significante; sin embargo, éste puede sufrir un proceso industrial y físico que llega a nosotres en las tiendas para su libre consumo. Soy muy consciente de esta memoria industrial y permite un fuerte anacronismo de mis formas. Trato que dicho contraste también este reflejado en la historia, como anacronismos. Pienso en la historia como el mar, en sus mareas y sus olas. La ola como una metáfora histórica no lineal, que curvea y que en esa curva puede tocar más abajo, con otra corriente que va a resurgir y que en algún momento podrían hundirse o resurgir juntas. 

Mi objetivo es construir un nuevo vocabulario y lenguaje a través del uso de mis investigaciones y metodologías para repensar la historia, siempre recordando de dónde yo mismo fui extraído, además de este gran peso de historia migratoria que existe en la región donde nací. La migración me acompaña desde la época mesoamericana.  


M.L.M:: En relación a la pregunta anterior ¿Qué influencia tiene la toxicidad y su adaptación en formas. materiales y espacios en tus trabajos?

O.C.A:. Desde mi proyecto Naab abarco la toxicidad como una metáfora de aniquilación de todes para existir en otro mundo. Hago referencia al cinabrio y como este pigmento rojo fue utilizado en las culturas mesoamericanas como agente protector de cuerpos para llevarlos al Xibalba (inframundo) o para proteger las ofrendas y objetos que acompañaban al cuerpo a este viaje; sin embargo esta segunda función es la letal: es la protección de robo o extracción; ya que, una vez abierta la tumba y al respirar el pigmento, la persona que lo inhala corre el riesgo de ser intoxicado. 

Estos dos momentos los encuentro mágicos: primero pienso en tal metáfora de otras corporalidades bañadas de cinabrio donde el color de la piel no existe; es decir, todes somos un solo color. Segundo pienso en ese momento de la revelación, como en la fotografía; es decir, en el momento donde la imagen es revelada en el cuarto oscuro gracias a la ayuda de la luz roja de seguridad. 

Estos espacios rojos me permiten completamente desestabilizar la mirada y por lo tanto el cuerpo. Nos encontramos próximos del campo visible del infrarrojo el cual nuestra visión de la luz es distinta y esto afecta nuestra visión, el desplazamiento del cuerpo y repercute en nuestro estado anímico: haciendo un espacio cálido y de admiración, pero… cuidado, algo tóxico nos rodea y posiblemente lo estamos inhalando, posiblemente estamos yendo a otro espacio. 

A pesar de ello, no sólo es invadir el espacio de esta luz roja y pigmento, la idea de espacio me permite hablar de ecosistemas donde cada objeto y materia colocada en éste es precisamente pensada. El objetivo: preformar el cuerpo, que éste se vuelva activo y que tome sentido en el ecosistema para vivir juntes. Por ello, pienso siempre una deambulación en éste para que el visitante siempre vea objetos, no importa dónde se detengan, y así sentir una acumulación, como si todo cae sobre nosotres. 

M.L.M:. En algunas de tus exposiciones, hay referencias muy claras de la cultura popular como Marimar de Thalia o algunos dibujos y símbolos populares que se vislumbran entre los elementos dispuestos, sin embargo también parece todo encajar en un escenario de ritual místico, conectado con lo inframundo. ¿Cómo se configuran estos dos universos en tu práctica artística?

O.C.A:. La respuesta anterior habla un poco sobre el ritual refiriéndose al cinabrio y las culturas Mesoaméricanas. Sin embargo las referencias populares o a lo que llamamos popular, siguiendo a Bolivar en Echeverria es inducir con la imagen popular al espectador frente un “lugar de la vida como una transformación de la vida” y que ésta trae consigo ” una ‘sustitución’, un simulacro del mundo”¹ . La imagen popular me permite hablar de simulacros teatrales del lugar, economía y clase social a la cual me inscribo, crecí y me desarrollé en México y en el mundo. La imagen popular me ha enseñado que ese simulacro de la vida me ha permita pensar que  la American way of life llegó muy tarde en mi pueblo. Mi pueblo fue muy afectado por este proceso y los migrantes de mi región hacia los EEUU compartíamos tales imágenes, canciones que nos hacen seguir riendo a pesar la distancia. Es gracias a estas imágenes no “intelectuales” en las cuales me reencuentro. George Didi-Huberman habla sobre las imágenes y que éstas también migran, es así como las veo yo: ellas migran conmigo o tal vez migraron o migraran después. 

Creo que el uso de estas imágenes populares tienen el interés político de quitarles la connotación de popular para verlas como simulacros de la vida. Este compromiso de usarlas y preséntalas como tal y generar preguntas históricas, reafirma el mismo interés de las técnicas que uso; ya que son técnicas pensadas como artesanales. Siento que el simple hecho de nombrar “popular” o  “artesanal” es darles una menor importancia y este problema es una consecuencia del Siglo XVIII cuando se establece de manera más fuerte estas divisiones entre gran arte y arte popular o artesanal. Así como Constantin Brâncuși o Celia Tupinambá, mi objetivo con el uso de lo “popular” o “artesanal” es erradicarlo de a poco de este tipo de tipologías clasistas y denigratorias.  

Por ejemplo en Marimar me parece algo extremadamente importante ver cómo el trauma colonial existe y persiste a pesar de estar en el siglo XXI. Claro que analizo el contexto de cómo  Marimar recoge el brazalete en oro del lodo y llora. Lo impactante está en todo lo que esta imagen moviliza: la extracción del oro como principal objetivo de la colonización y del proyecto modernista europeo. Esta imagen se inscribió dentro de lo “popular” en las telenovelas y Televisa; sin embargo el trauma no ha sido superado y es a través del humor que aún podemos abordarlo como sociedad. Marimar como metáfora de mártir moderna, también. 

He usado citas de Selena y Rocio Durcal como formas de comunicación con la comunidad latina en Europa, son sutiles, pero cuando las reconocen ven las piezas de otra manera, menos formales y siento que ahí me identifico: fuera de esta formalidad. A otres, les dejo lo más complicado: tratar de entender lo que hace que conecte con mi comunidad.

Por último, los mangas es poder hablar sobre imágenes mundializadas. Mangas que lloran y sufren así como nosotres cuando migramos. Imágenes que me permiten hablar con personas de otros contextos y que nos reconocemos en elles. Sin embargo, el proyecto surge del cariño y amor a mi familia a través de un ave: Pedro, el perico de mi familia.
Pedro estaba al lado de la pequeña televisión del cuarto de la abuela mientras yo veía Shun, Seiya o Sailor Moon presenciando los gritos o llantos. Esas fueron mis primeras imágenes en las que reconocí que era posible emitir emociones y feminidad en un pueblo machista.     

M.L.M:. En los últimos años, se detecta desde Latinoamérica un interés particular por el arte latinoamericano en Europa. ¿Cómo es tu mirada y experiencia sobre este tema? ¿Qué desafíos o intercambios nos podes compartir sobre este tema?

O.C.A:. Hace unas semanas la artista colombiana Laura Huertas Milán brindó un digno, emotivo y fuerte discurso al ganar el Prize Aware for the women artists 2024 en Paris. La cineasta recalcó una fuerte mirada folclórica del trabajo de artistas latinoamericanes o simplemente un nulo interés. Comparto este sentir. En mi caso particular, viviendo en Francia, siento que este país debe ir reconociendo sus problemas coloniales y en paralelo aceptar y acoger la gran cantidad de comunidades diaspóricas existentes en ella. Este trabajo hará que la comunidad latina, como la asiática, nos sintamos parte de la escena francesa y europea, o simplemente de una escena mundial desde Europa. 

Es real que existe poco a poco un interés por diásporas latinoamericanas y es gracias al trabajo como de Persona curada y Noelia Portela, Annabela Tournon, por citar algunes,pero también es porque como todo migrante – o en mi caso – venimos aquí con expectativas, con sueños y con búsqueda de desarrollarnos profesionalmente para darlo todo cada día, con lo que lleva de la mano la migración; es decir, con el dolor, el sacrificio y la perdida de estar  lejos de lxs nuestrxs. Veo a mis amiges latines que estamos aquí luchando, dando lo mejor para poder existir, no sólo corporalmente y económicamente sino profesionalmente con propuestas tan fuertes que me hace sentir que este esfuerzo de desplazamiento esta valiendo la pena. 

Para mí los desafíos son que mi trabajo siga siendo una fuerte propuesta del sur – sur como eje político -. Tal vez los intercambios existen entre el idioma y las traducciones que este proceso te solicita, traducción no sólo de lenguaje sino de formas. Siento que en mi trabajo las formas son tales preguntas históricas que quisiera se respondan con más preguntas y este desafío existe en cómo puedo logar desarrollar mis investigaciones con bibliografías que a veces no encuentro aquí. Otro gran desafío existe en los materiales que escojo y que, igual, no encuentro y recaen en metáforas, a veces. 

Sin embargo, a pesar de todo lo anterior, lo más hermoso es poder reconocerme, reconocer a mi familia y  a otres en mis formas y propuestas. A veces creo que hago homenajes ya sea de escuelas de pintores de otras épocas o de personas que cruzo en esta vida y que influyen mi experiencia. A pesar de ello, quisiera ser un ejemplo de ese niño(e) al que le dijeron muchas veces NO y mostrar que sí, si es posible y que va a tomar muchas lágrimas y sudor (como las de mi abuela en la milpa) para llegar más lejos que cruzar el atlántico. 

————–¹ Echeverría, Bolívar. Ethos Barroco y arte barroco en La modernidad de lo Barroco. Edit. Era. 2a Edicion, México, 2000. Pp. 213.