Ressaca

Lucas Simões, Brasil.

 

Casa Triângulo, São Paulo, Brasil – 2018.
Curaduría: Bruno de Almeida
Fotos: Filipe Berndt, cortesía Casa Triângulo.

 

 

Texto de Bruno de Almeida:

 

La palabra portuguesa Ressaca, al igual que en español, significa una secuela o algo que produce un efecto. El movimiento anormal de las corrientes subterráneas. Los síntomas físicos que aparecen cuando los efectos tóxicos comienzan a abandonar el cuerpo. La náusea y la marea de tormenta que sumerge la costa. El presagio de heridas psicológicas y las promesas de cambio. Las corrientes que arrastran a los nadadores y los desechos que se vierten en la playa. La ressaca presagia que lo que vendrá será diferente del pasado. Es duda, visión nublada y proyección. Ressaca es a la vez un momento de síntesis y un punto de inflexión, es una culminación y un nuevo comienzo. El final, es abandonado.

 

Una mirada retrospectiva a las obras de arte e investigación que preceden a Ressaca encontrará una obra cuyo alcance se define principalmente en relación a la arquitectura, especialmente el movimiento modernista y sus subtemas, especificidades, “lapsos ideológicos”, “debilidades” y “promesas incumplidas”, entre otros. Detrás de los temas circunscribibles hay deseos e intereses divergentes que aparecen esporádicamente, lo que dificulta la definición de las relaciones de causalidad entre el trabajo y el discurso. La ressaca concilia tales imprecisiones que enfatizan la comodidad de un “discurso” que tiene un mensaje definido, un objetivo crítico inteligible, un fin. La ressaca también permite una desaparición momentánea de las asociaciones prescriptivas o analogías metafóricas, dando lugar a un estado / espacio indeterminado y proposicional.

 

Un equilibrio entre la sobredeterminación y lo imprevisto subyace una gran parte de la producción de Lucas Simões. Si, por un lado, sus piezas comienzan con la extrema precisión de la grilla vectorial del software CAD (Computer Aided Design), por otro lado, presuponen las imprecisiones de su fabricación manual, la mutación del material a lo largo del tiempo, la impredecibilidad del contacto con el espectador, entre otros aspectos imprevisibles. La planificación rigurosa que entra en las piezas hace que estos resultados imprevistos esperados / deseados sean aún más poderosos. Por lo tanto, el “trabajo final” no representa el instante en que el artista “pierde el control” de la obra de arte frente a las contingencias de lo real; más bien, denota el desarrollo de los sucesos que fueron calculados y otorgados previamente al trabajo.

 

En sus instalaciones a gran escala, Lucas Simões engendra situaciones en las que el movimiento del visitante a través del espacio expositivo presupone una reconfiguración del trabajo, ya sea por una “confrontación” física entre el espectador y la obra, o por un cambio radical en la percepción del trabajar de acuerdo con la posición específica del observador. Como la “participación” es casi inevitable en estas obras, evitan el paternalismo de una experiencia edificante “interactiva”. En la experiencia espacio-temporal de las instalaciones de Lucas Simões, la certeza de la grilla de diseño se convierte en un vórtice, en un laberinto; crea lugares marcados por una tensión subliminal y ambigua, entre lo amenazante y lo lúdico, donde la distinción entre controlador y el controlado se vuelve borroso; declara su peligro de ruptura inminente y su precario equilibrio; se refiere al vocabulario visual y la experiencia que heredamos de las calles; cita la tensión entre las nociones idealizadas del espacio y la realidad de su manifestación física y apropiación cotidiana. Al circular por la sala de exposiciones, el espectador contribuye a la reconfiguración permanente de la obra o incluso a su “destrucción”,  manteniéndola en una limbo entre la ruina y la construcción.

 

Aunque en la mayoría de las obras de Lucas Simões uno puede comprender una escala arquitectónica, la miniaturización y el gigantismo son cualidades inherentes de sus piezas escultóricas. Tales esculturas se estructuran en base a la intersección de dos tipos de operaciones: la apropiación de objetos y la exploración de materiales determinados que conducen a la creación de nuevos artefactos. A través de combinaciones y yuxtaposiciones cuidadosamente consideradas, Lucas crea composiciones que aumentan las “vibraciones” de cada una de las partes, intensificando los límites formales de cada elemento para permitir la aparición de otras narrativas que son inherentes a ellas pero que permanecen inactivas bajo sus “usos”. La intercambiabilidad de las escalas hace que el espectador “mida” estas obras de arte a través de una ampliación o miniaturización de su propio cuerpo. La posibilidad ficticia de caminar sobre las topografías7 o de habitar en los proto-monumentos y edificios moldeados por Lucas Simões se contradice con una dimensión cerrada que las piezas parecen contener, algo a lo que no tenemos acceso, cuya existencia solo podemos vislumbrar y suponer.

 

Los objetos presentados en Ressaca combinan una serie de operaciones recurrentes en la investigación escultórica del artista, como el uso de materiales ligeros y frágiles que imponen formas sobre los materiales que asociamos con solidez, peso y permanencia; así como la importancia de la gravedad, del equilibrio y del vacío, con un conjunto de decisiones formales que apuntan a una ecuación nunca antes vista en la práctica de Lucas Simões. Pero el estado de ressaca impide un discurso interpretativo o prescriptivo que “domestique” estas piezas, ya que hacen un llamado para una existencia más oscura, menos subordinada a temas y etiquetas. Para la inviabilidad de las conclusiones, la ressaca agrega la certeza del discurso que da espacio a una indeterminación proyectiva y que antecede e incita resultados deseables e imprevistos. El final, es abandonado.